Encontrar historias que expresen una identidad propia, pensar cómo producirlas y generar las condiciones para que lleguen al público son algunos de los desafíos que atraviesan el trabajo de Francisco Suárez. Actor, autor y productor audiovisual, ganador de dos premios Martín Fierro Federal, desarrolló en los últimos años una trayectoria en la ficción independiente y las coproducciones latinoamericanas. Este lunes compartirá parte de esa experiencia en el marco del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata. Su charla “7 pasos para hacer tu serie de ficción”, dirigida a actores, guionistas, productores, directores, estudiantes y creadores, será a las 18, en Chauvin centro de creación.

“Me interesa encontrar el ADN popular de los contenidos que desarrollo” definió Suárez, quién se formó en teatro con referentes como Pompeyo Audivert, Guillermo Angelelli, Norman Briski y Marcelo Savignone, y estudió cine en la UBA y en CIEVYC. A lo largo de su trayectoria participó en más de 30 obras teatrales, películas y ciclos televisivos como Casi Ángeles y Signos. Entre los proyectos que produjo y protagonizó se encuentran Mendólogos, Mi ex en cuarentena y DT: La misión.

Desde su productora Buenos Andes Contenidos, desarrolla proyectos de ficción y coproducciones con Bolivia, Paraguay y Chile.

“Llego con muchas expectativas y entusiasmo. Me interesa especialmente poder compartir este espacio con hacedores audiovisuales de distintas partes del mundo, pero también dedicarle tiempo a algo fundamental: ver cine. Como artista y productor, considero que estos encuentros son muy valiosos para fortalecer vínculos, generar alianzas y abrir nuevas posibilidades de trabajo” dijo Suárez en una charla con LA CAPITAL antes de la presentación.

-¿El festival es un ámbito propicio para generar contactos, cerrar acuerdos, avanzar en proyectos?

-Si bien Mar del Plata no funciona como un mercado de industria en sentido estricto, tiene un enorme valor simbólico y profesional. Es el único festival internacional de cine de Clase A de Latinoamérica y un espacio de prestigio para nuestra cinematografía. Este año participé en RIO2C, en Río de Janeiro, y recientemente en Iberseries & Platino Industria 2026, en Madrid, donde mis proyectos fueron seleccionados por 3Pas y HBO Max. También tengo por delante el MICSUR y el MAEF, ambos en Asunción. Me interesa aprovechar cada uno de estos espacios para seguir ampliando el alcance de mis proyectos y consolidar una red de trabajo que conecte a la Argentina con el resto de Latinoamérica y el mundo.

-¿Qué podés adelantar de la propuesta que vas a desarrollar en el marco del festival, “Siete pasos para hacer una serie de ficción”? ¿Tiene que ver con tu experiencia?

-Para adelantar algo sin spoilear la charla, puedo decir que está profundamente atravesada por mi propia experiencia como hacedor. Comencé en el teatro y hace nueve años di el salto a la producción audiovisual. Mi llegada a la producción no fue una decisión romántica ni una estrategia de carrera que hubiera planificado desde el comienzo. Estuvo directamente relacionada con la transformación y la caída de la producción audiovisual nacional que venimos atravesando desde hace aproximadamente una década. Yo era un actor que trabajaba, hacía castings y luego era elegido para actuar. En determinado momento, esas oportunidades dejaron de existir. Podía quedarme esperando un teléfono que probablemente nunca iba a sonar o tomar la iniciativa y generar mis propios proyectos. Elegí lo segundo. La charla está pensada para quienes tienen ganas de desarrollar sus propias historias, pero necesitan entender cómo transformar una idea en un proyecto audiovisual concreto. Voy a compartir herramientas, experiencias y, sobre todo, caminos reales y posibles. Creo que es fundamental aprender a soñar en grande, pero también saber cómo hacer que esos sueños sucedan.

Historias con identidad

-¿Cuál creés que es el error más frecuente a la hora de convertir una historia en un proyecto audiovisual?

-Mirar demasiado hacia afuera y muy poco hacia adentro. Perseguir historias que están de moda, reproducir tendencias internacionales o intentar parecerse a lo que funciona en otros mercados, en lugar de indagar en la propia identidad. También observo una tendencia en parte de la producción nacional a buscar permanentemente la validación de Europa, como si nuestras historias necesitaran una legitimación externa para tener valor. A veces terminamos contando historias que dialogan mucho más con los imaginarios europeos que con las realidades que tenemos a pocos kilómetros. Me interesa encontrar el ADN popular de los contenidos que desarrollo. Creo que las historias más poderosas no necesariamente están en las grandes ciudades, sino en los pueblos, en sus personajes, en sus contradicciones y en sus formas de vivir. Ahí se encuentra el verdadero ADN Argentino y Sudamericano. Me interesa construir un vínculo genuino con un público real, amplio, que pueda reconocerse en lo que ve. Eso no significa resignar excelencia artística. Al contrario: creo que se pueden hacer contenidos de enorme calidad artística con una fuerte identidad popular y, al mismo tiempo, explorar sus posibilidades comerciales para atraer financiamiento privado. Mi búsqueda como artista y showrunner está justamente en ese equilibrio: contar historias con identidad, que tengan algo para decir y que también encuentren a su público.

-¿En qué momento conviene empezar a pensar en la producción, el presupuesto, el público al que se quiere llegar y las posibilidades concretas de realizarla?

-Cada persona tiene su propio proceso creativo y no creo que exista un manual universal para desarrollar una idea. Sin embargo, en mi caso, me gusta trabajar desde el comienzo con dos dimensiones que considero inseparables: el deseo artístico y la conciencia de los recursos disponibles. Veo con frecuencia proyectos que nacen con presupuestos imposibles de afrontar para las condiciones de producción de nuestra región. Eso termina convirtiéndose en una forma de autoboicot: no consiguen el capital necesario, nunca llegan a realizarse o, en el peor de los casos, comienzan a producirse y quedan abandonados a mitad de camino. He visto a muchos colegas naufragar por no haber contemplado una estrategia de producción desde el inicio. Creo que podemos y debemos ser ambiciosos, pero esa ambición necesita una estrategia. Hay que preguntarse cómo vamos a financiar una historia, a qué público queremos llegar y cuáles son los caminos posibles para concretarla. No se trata de limitar la creatividad, sino de darle condiciones reales para que exista. Una buena idea no debería quedarse solamente en el entusiasmo de quien la imagina. Tiene que contemplar, desde su desarrollo, una posibilidad concreta de financiación y una estrategia para encontrar a su público. De lo contrario, corremos el riesgo de quedarnos en el lugar de las buenas ideas que nadie verá jamás. Para mí, la diferencia entre tener una inquietud artística y desarrollar una ficción también está en asumir la responsabilidad de hacerla posible.

-No es un trabajo que pueda realizarse en soledad.

-La actuación sigue siendo lo que mejor hago y mi principal motor creativo. Para las demás áreas también me formé estudiando cine en CIEVYC (una escuela de cine que ya no existe más), pero tengo muy claro que una producción audiovisual es un trabajo colectivo y que no necesito saberlo todo. Por eso me rodeo de profesionales con experiencia y talento, personas que dominan sus áreas mucho mejor que yo. Entre ellos, Federico Suárez (director de Mendólogos, Carísima y Cóndor 1.0.5) Juan Pablo Martínez (director de Alma, Luna en Leo, Emma y DT: La Victoria); Osvaldo Ortiz Faiman, (director de Timoteo y DT: La Victoria); y Andrés Rapoport, (autor de DT: La misión y DT: La Victoria, Ultimátum, entre otros trabajos.) Con el tiempo entendí que ampliar mi lugar dentro de la industria no significaba abandonar la actuación, sino construir las condiciones para que las historias que me interesaban pudieran existir y aprender a vincular personas que saben más que yo a mi proyectos.

Estructura profesional

-¿Cambió tu manera de pensar las historias cuando empezaste a producirlas y a tomar decisiones sobre el conjunto de una ficción?

-Cambió muchísimo. Tuve que aprender a asumir responsabilidades que antes no formaban parte de mi universo como actor. La producción me enfrentó con dimensiones contables, financieras, administrativas y legales que hoy considero imprescindibles. Cuando era joven trabajaba con mi padre en la parte comercial administrativa y, con el tiempo, entendí cuánto me había servido aquella experiencia. Sigo aprendiendo todos los días, pero algo que al principio me pesaba y me resultaba ajeno hoy lo considero parte fundamental del proceso creativo. Una obra audiovisual necesita condiciones para empezar, desarrollarse y llegar a buen puerto. He visto muchos proyectos comenzar con enorme entusiasmo y terminar encallados por no haber prestado atención a estos aspectos. Podrá gustar más o menos lo que hago, pero creo que uno de mis grandes diferenciales como productor es que logro concretar los proyectos y terminarlos en tiempos acordes con los estándares de la industria internacional. Eso no fue producto de contar con una estructura económica poderosa detrás. No tengo una gran banca que me respalde ni vengo de una familia vinculada al mundo cultural. Soy hijo de una maestra jardinera y de un comerciante. Todo lo que fui construyendo tuvo que ver con aprender haciendo, equivocarme, desarrollar estrategias y entender que la creatividad también necesita una estructura profesional que la sostenga.

-Cuando sos también el creador y protagonista de una serie ¿cómo hacés para separar las necesidades del actor de las decisiones que requiere el proyecto en su totalidad?

-Mi yo actor es el gran motor de todo. En definitiva, muchas de las historias que desarrollo nacen de mi deseo de actuar y de encontrar personajes que me movilicen. Pero también entiendo que el rol del actor dentro de una producción tiene sus tiempos y que no puede confundirse con la responsabilidad de conducir el proyecto. En mi caso, aproximadamente dos meses antes del rodaje comienza una nueva etapa: empiezo a concentrarme en los ensayos, en la construcción del personaje y en mi trabajo actoral. Para que eso sea posible, necesito delegar y confiar en otros profesionales. En la segunda temporada de la historia, que se titulará DT: La victoria, las llaves de la nave están en manos de Osvaldo Ortiz Faiman y Juan Pablo Martínez. Con ambos comparto una visión sobre cómo debe ejecutarse un proyecto audiovisual y confío plenamente en sus capacidades. Creo que un buen showrunner también tiene que saber cuándo conducir, cuándo escuchar y cuándo delegar. No se puede estar en todos los lugares al mismo tiempo.

-El término showrunner se incorporó con fuerza al vocabulario audiovisual. ¿Cómo definirías ese rol a partir de tu experiencia y qué responsabilidades considerás centrales?

-Empecé a utilizar el término cuando comenzaron a adjudicármelo, hace aproximadamente dos años. Creo que describe bastante bien el conjunto de responsabilidades que fui asumiendo dentro de mis producciones. Para mí, un showrunner es alguien que puede pensar una ficción desde su concepción hasta su llegada al público. Implica crear, desarrollar, construir y liderar equipos, supervisar las distintas etapas del proceso y diseñar estrategias para que ese contenido pueda producirse, comercializarse y encontrar ventanas de exhibición, tanto a nivel nacional como internacional. Es una mirada integral sobre una obra audiovisual. No se trata solamente de tener una idea o escribir una historia, sino de asumir la responsabilidad de que esa historia se convierta en una producción concreta y llegue a destino. Creo que en Sudamérica el rol todavía no tiene el glamour ni la estructura que puede tener en Hollywood, pero su esencia es la misma. Las condiciones de producción son diferentes; la responsabilidad de conducir una ficción es la misma, o a veces más determinante, dado que nosotros tenemos más presión a veces porque los presupuestos no son abundantes, por ende el margen de error debe reducirse lo más posible, un error puede ser catastrófico para una producción como las nuestra.

Creación a través de la asociación poética

-¿Hay algo de tu formación de base, teatral, que siga siendo determinante cuando desarrollás una ficción para televisión o una plataforma?

-Sin dudas. Una de las herramientas que más conservo es la que aprendí con Pompeyo Audivert: la creación a través de la asociación poética. Es una forma de relacionarse con la imaginación, con los materiales y con la construcción de sentido que sigue presente en mi manera de desarrollar historias. Por otra parte, el teatro independiente te enseña algo fundamental: cuando empezás, muchas veces tenés que hacer todo. Desde armar el escenario hasta actuar, gestionar las funciones y resolver los problemas que aparecen. Esa experiencia te da una relación muy concreta con el hecho artístico y con el trabajo. Intento vivir lo artístico sin solemnidad, tanto en el teatro como en el audiovisual. También me importa que los espacios laborales que genero tengan dignidad para las personas que trabajan conmigo. Pero no tolero divismos o exigencias excéntricas que no condicen para mí con el real sentido de hacer arte, quien aparece con alguna cuestión de está índole no puede trabajar conmigo. Creo que una parte decisiva de mi formación estuvo en las experiencias teatrales de aprendizaje y creación que atravesé, como la primera que desarrollé en el Hospital Tornú (2011), en la Ciudad de Buenos Aires, y otras experiencias posteriores de teatro comunitario en barrios humildes del Gran Buenos Aires y Mendoza (2012-2015). Esos encuentros con realidades distintas, con otras comunidades y otras formas de expresión terminaron de configurar mi mirada como artista.

-¿Qué ventajas y dificultades encontrás al producir por fuera de los principales centros de decisión de la industria audiovisual y, viceversa, qué oportunidades abre?

-En lo personal, encuentro muchas más ventajas que desventajas. Haber vivido tres años fuera de la Ciudad de Buenos Aires me abrió las puertas para trabajar en 18 provincias argentinas. Esa experiencia transformó profundamente mi manera de mirar el país y también de pensarme como artista. Soy porteño y viví gran parte de mi vida en Buenos Aires, pero hoy no me siento identificado con una mirada artística que todavía tiene mucha presencia en ciertos sectores de la industria cultural porteña: esa necesidad de buscar una validación cultural en Europa, a veces explícita y otras veces mucho más sutil. Me interesa mucho más que nuestras producciones dialoguen con la región donde vivimos. Me interesa contar historias con identidad federal y latinoamericana, capaces de conectar con públicos amplios y diversos. No necesito que Europa me otorgue legitimidad artística. Encuentro esa legitimidad en mi propia región, en sus historias, sus culturas y sus espectadores. Argentina, Bolivia, Chile y Paraguay son países donde ya pude desarrollar mi trabajo y con los que tengo una relación profesional y artística muy importante. Ahora estoy buscando ampliar ese recorrido hacia Brasil, México, Colombia y Perú. Creo que producir desde distintos territorios no es una desventaja: es una oportunidad para descubrir otras historias, otros talentos y otras formas de hacer. La industria audiovisual argentina necesita recuperar una mirada verdaderamente federal, no solamente trasladar rodajes a otras Provincias donde depredan recursos y no dejan nada y pasan a ser un mero paisaje, sino permitir que esas regiones también sean protagonistas de las historias. Mendoza en esto fue mi gran escuela. Un ejemplo concreto de “DT: La Misión” fue cuando elegí para realizar la ficción al Club Atlético Argentino (Mendoza), mi elección fue romántica porque la historia del club me conmovió, luego al conocerlo más entendí el estrecho vínculo que tiene el club con Bolivia, esto disparó la idea (al principio pareció muy loca para los demás productores) de ubicar una productora boliviana que quiera sumarse a la coproducción. Sumar a Bolivia abrió una gran alianza con Cabruja Films, y terminamos haciendo historia dado que somos la primer ficción televisiva y de plataforma entre ambos países. Esto abrió luego el camino en Paraguay, primero con la productora Guaraní Films y ahora también con Puatarará Films.

-En un escenario en el que las plataformas concentran buena parte de la atención, ¿qué posibilidades tiene hoy una productora independiente de desarrollar una ficción sin contar de antemano con el respaldo de un servicio de streaming?

-Las posibilidades existen, pero primero hay que entender que el sistema de producción de las plataformas está en permanente transformación. Por eso siempre recomiendo mirar el panorama completo y no correr detrás de una única ventana de exhibición como si fuera la única oportunidad posible. El streaming es un camino, pero no es el único. Hoy necesitamos creatividad para pensar contenidos que puedan tener un desarrollo de 360 grados, con una perspectiva transmedia y distintas posibilidades de explotación y circulación. En Buenos Andes Contenidos trabajamos con esa mirada y por eso me interesan los distintos formatos: ficción vertical, televisión, cine, plataformas y experiencias presenciales. Cada formato tiene sus propias reglas y sus oportunidades comerciales. Creo que las productoras que sigan pensando que una historia solamente puede existir en un único lugar van a tener cada vez más dificultades. El futuro pertenece, en buena medida, a quienes puedan ampliar su mirada, diversificar sus modelos de negocio y animarse a generar nuevos paradigmas de producción y circulación de contenidos. Con esto no digo bajar el nivel y que todos hagamos reels de Instagram, sino todo lo contrario ver de que forma podemos integrar la tecnología actual sin corromper la excelencia artística. Quien se adapte evolucionará, y quien no, quedará en el camino.

-En DT: La victoria, ampliás un universo que habías explorado y que tiene una identidad y un público muy definidos. ¿Cómo encontraste el punto de entrada a esa historia y cómo pensaste su alcance?

-La idea comenzó a tomar forma mientras terminábamos el rodaje de la primera temporada de DT: La misión. En ese momento me había invitado el CREA+ PY, un mercado de industrias culturales de Paraguay, para participar como disertante. La primera temporada había sido una coproducción con Bolivia, junto a Cabruja Films, y esa experiencia me llevó a pensar en Paraguay como un horizonte posible para continuar desarrollando el universo de la serie. En 2023 producir ficción en Argentina ya representaba un desafío enorme. Para una productora independiente de escala media como la mía, los costos empezaban a ser muy difíciles de afrontar. Paraguay apareció entonces como una posibilidad concreta para seguir haciendo ficción y ampliar nuestra presencia regional. En un primer momento, el proyecto se llamó DT: La misión 2 y pensé la continuidad de la historia alrededor del fútbol femenino. Había una semilla narrativa en la primera temporada: Lucía, una niña que demostraba ser una verdadera crack y terminaba salvando al equipo de los chicos. Me interesaba explorar ese universo y llevarlo hacia un nuevo conflicto. Pero a medida que fui conociendo Paraguay y desarrollando el proyecto en ese territorio, especialmente durante 2024, entendí que ya no se trataba simplemente de trasladar una historia a otro país. Paraguay tenía que convertirse en parte esencial de la identidad de la serie. Así apareció el título “DT: La victoria”. Quiero contar una historia que nazca en Paraguay y pueda llegar a toda Latinoamérica. De los países que tuve la oportunidad de conocer, no encontré otro pueblo tan generoso con quienes llegan de afuera como el paraguayo. Siento un profundo agradecimiento y un compromiso con ese país. Creo que Paraguay merece que muchas más personas conozcan su cultura, su identidad y su gente. Así mismo darle lugar el fútbol femenino que en nuestra región merece mayor visibilización y mejores condiciones para las jugadoras, espero que nuestra serie colabore en este aspecto. Y, en medio de todo eso, también está la posibilidad de volver a encontrarnos con Abel Moretti, el protagonista de DT: La misión, y continuar su historia desde un universo completamente nuevo. En este caso será una coproducción con Paraguay.

-Ese tipo de asociaciones son cada vez más frecuentes, ¿influye eso en las características de la historia, en el elenco, para sumar atractivo en los distintos países?

-Absolutamente. Paraguay está atravesando un proceso de crecimiento y, de alguna manera, siento que mi propio recorrido artístico está en una etapa similar. Tengo ganas de crecer, de ampliar mis horizontes y de encontrar nuevos territorios donde desarrollar mi trabajo. Hoy Paraguay me ofrece ese espacio. En la primera versión del proyecto, que desarrollé en 2023, el país era fundamentalmente un escenario posible para continuar la historia. Pero después de conocerlo, trabajar allí y establecer vínculos con su gente y su industria, entendí que tenía que ocupar un lugar mucho más profundo. Paraguay dejó de ser solamente una locación para convertirse en protagonista de la serie. Eso necesariamente atraviesa la historia la cual desarrollamos con Andrés Rapoport (Head Writer), Osvaldo Ortiz Faiman y un equipo nuevo de coguionistas: argentinos y paraguayos. No me interesa hacer una ficción argentina filmada en Paraguay: quiero construir una producción genuinamente regional, donde las identidades de los países que participan estén presentes en la pantalla. Mi deseo es que Paraguay y el resto de Latinoamérica reciban esta ficción con el mismo entusiasmo, compromiso y cariño con el que nosotros estamos trabajando para hacerla realidad.